Hablar de Karate Kid, el nuevo y el viejo, es hablar de una misma historia en diferentes planos dimensionales. No es lo mismo el cine de los 80, Pat Morita, Ralph Macchio y el karate a la nueva generación, Jackie Chan, Jaden Smith y el Kung Fu.

Por cierto… ¿A quién se le ocurrió dejar el título de karate Kid? Si la película de Harald Zwart trata de Kung-Fu, en China y teniendo al mismìsimo Drunken master Jackie Chan como guía marcial. Cosas que nunca vamos a comprender.

Dre Parker se ha mudado con su madre a China por situaciones de trabajo, es un niño que al que le resulta difícil encajar en un mundo totalmente diferente. La única conexión que tiene con su nueva vida es una niña china: Mei Ying . Desgraciadamente esta relación le tre constantes confictos con un grupo de niños chinos que son expertos en kungfu.

Jackie apaga un poco su personalidad para hacerse lucir más que viejo, cansado y huidizo, eso sí, sin dejar las acrobcias marciales que lo han hecho un maestro del género y poniendo un toque cómico sin hacerla de loco lo cual resulta agradable. A Jaden, hijo de Hill Smith podrían tacharlo de instrumento nepotista, pero se nota que trabaja mucho para ser un buen actor y consigue tener una buena participación como estelar… lo que nos lleva a otra cosa. Kung Fu kid, es más abierta para el público familiar, esto podría ser chocante para algunos.

Recomendaría ver Kung fu kid con la advertencia de que también es para niños y verla con bajas expectativas, porque podrías sorprenderte con la misma historia contada hace 24 años. Ojo a las locaciones y paisajes chinos, son un plus nada despreciable.

Si me preguntan, Karate Kid me gustó de niño y Kung Fu kid también me gustó ahora que soy grande (quién no quisiera tener de maestro a gran Jackie!). Kung Fu kid entretiene y divierte, punto. Jaden tiene tablas, y muchas para nuevos y más emocionantes proyectos.

Valoración: 3.5 de 5

I love Philip Morris es una comedia romántica, gay, pero romántica, basada en el libro homónimo, nos muestra las desventuras de Steve Russell, un hombre que se descubre homosexual después de años de matrimonio.
Su nueva condición exige un modo de vida excéntrica la cual es solo posible mantener a través de fraudes y mentiras, las cuales lo llevan directamente a la cárcel… Ahí es donde conoce a Phillip Morris, un grácil señor con que que hace química inmediata. Russell tiene entre manos un plan enorme para ambos…

ILPM es una película muy divertida e ingeniosa apta para gente con criterio y un fuerte sentido del humor. Jim Carrey se acomoda en el papel de un gay desvergonzado e inventivo, es elocuente sin caer en sus gesticulaciones exageradas. McGregor actúa como un refinado hombrecillo que suplica por la protección del primero de una manera muy convincente, tanto que se nos olvida que está actuando. No se pueden esperar chistes facilones y risas bobas de una cinta como esta, que como mencioné antes es ingeniosa como la historia de los verdaderos Steve y Phillip.

Valoración: 4 de 5

Por Uruloki

Hace ya casi dos meses fui invitado a un pase especial de lo que prometía ser uno de lo films comiqueros más acertados de los últimos años, y tengo que reconocerlo, de los que esperaba con más ganas. Este fin de semana Universal Pictures ha lanzado enEspaña, y con casi dos meses de retraso con respecto a su estreno en USA, Kick-Ass(2010) de Matthew Vaughn, trabajadísima y notablemente fiel adaptación a la gran pantalla del homónimo cómic escrito por Mark Millar y dibujado por John Romita Jr.

Algunos podrán achacarle que no es tan fiel como debería haber sido, pero la obra deMillar y Romita Jr., su fuerza y esencia, está presente en todo el metraje del film deVaughn. Esos detalles que han sido obviados o modificados están plenamente justificados porque así el director británico logra hilvanar una historia que funciona como debe ser en la gran pantalla, y que demuestra que no hacen falta tropecientos millones de dólares y varias superestrellas para lograr crear un nuevo icono en el cine comiquero, un film ya de culto para muchos, que deja claro que en este género también se puede arriesgar, ser un gamberro redomado y salir victorioso con todo merecimiento. Kick-Assaúna en una misma bobina humor negro, doloroso más bien, escenas de violencia poco habituales en el cine comiquero, para nada deudoras de la viñeta que adapta, un ritmo frenético non-stop adornado con música de diversos estilos que encajan como anillo al dedo, o un reparto que junta estrellas del ayer, el hoy y el mañana. Aaron Johnson,Christopher Mintz-Passe, Mark Strong y Nicolas Cage cumplen de manera notable, pero destaca como una galaxia completa la pre-teen Chloë Grace Moretz….

El mundo esta lleno de gente de todo tipo y condición, pasota, con sueños futuros y, en algunos casos, flipada. Tras un prólogo tronchante asistimos a la narración del nacimiento del héroe protagonista de la película, Kick-Ass. Dave Lizewski (Aaron Johnson) es un chico normal que, en plena edad del pavo, va al instituto sin destacar en nada al tiempo que habla de cómics con sus colegas y sueña con montárselo con esa compañera fuera de su alcance mientras se la pela visitando páginas web porno que le recomiendan o pensando en los turgentes pechos de alguna MILF que le da clase. PeroDave tiene planes, y un día, medio imbuido por un cabreo general de ser un pringado al que siempre roban los gamberros del barrio, se compra un traje de buzo, un par de palos y una botas amarillas. Sin comerlo ni beberlo se le presenta una primera oportunidad de probar suerte como héroe enmascarado, pero se demuestra que este trabajo de defensor del débil no es como lo lees en las viñetas y su primer premio es recibir una paliza de escándalo, ser medio destripado y acabar atropellado por un coche. Unas semanas después, con varias placas metálicas extra que le sujetan huesos y cráneo, Kick-Ass regresa a escena para, esta vez sí, triunfar y convertirse en un mito viviente de su ciudad. Una era de héroes callejeros de medio pelo ha comenzado y pronto sus acciones le llevarán a cruzarse con auténticos profesionales del ramo: Big Daddy (Nicolas Cage) y Hit-Girl (Chloë Grace Moretz). Con el paso de las semanas, aKick-Ass se le unirá Red Mist (Christopher Mintz-Plasse), otro pringado de turno que se mete en el mundillo como cebo del mismísimo Frank D’Amico (Mark Strong)…

Kick-Ass se podría definir como un proyecto rodado con libertad de espíritu. Y es que esta es la gran ventaja, o el gran riesgo según se mire, que ha tenido que asumirMatthew Vaughn a la hora de trasladar al cine toda la violencia, visual y verbal, presente en la novela gráfica. Tras intentar producir el film apoyándose en una de las grandes compañías de Hollywood, se dio cuenta que el espíritu del cómic iba a desaparecer debido a la mojigatería y mete mano de las majors. Para este caso, y para sus pasos previos en el cine – infinitamente recomendables Layer Cake (2004) y Stardust (2007) -, Vaughn se la ha jugado nuevamente financiando la película con el apoyo de compañías menores, Plan B Entertainment, y la suya propia MARV. Kick-Ass ha ganado gracias a esta apuesta en calidad y fidelidad pese a verse mermada al no contar con un presupuesto demasiado boyante. Y mucho ojo, algo que el Hollywood moderno no suele aprovechar rebosa en Kick-Ass; imaginación, buena mano de sus responsables y sobre todo saber sacar el jugo que suelen tener las obras que han triunfado en otros formatos.

Y un detalle que todavía hace más amigable el film, pensando siempre en el perfil de público que acudirá a la sala, radica en que los guionistas, Jane Goldman y el propioVaughn, han decidido copar toda la película con grandes guiños a temas tan presentes en la conciencia del geek comiquero / tecnológico / cinematográfico / etc. Desde“Perdidos”, pasando por el cine de John Woo, MySpace, YouTube, Superman, Lobezno, los shooters y un largo etcétera de detalles que agregan más molancia al proyecto. En fin, ya lo dije en su día… Kick-Ass es jodidademente fabulosa.

Apenas ayer pude ver el ultimo capítulo de la serie que junto con Adriana, mi querida esposa, nos mantuvo 6 años en el suspenso. Los personajes y situaciones del serial se fueron ganando un lugar especial en algunas de nuestras conversaciones, de ellos y no de las isla se trató esta obra televisiva de J.J. Abrahams; aún así la interrogante siempre se mantuvo a flote ¿Qué es la isla?
La gente allá afuera manejaba la teoría de que la isla era en realidad un infierno o al menos un purgatorio, pues según, los pasajeros del vuelo 815 de Oceanic habían perecido en el avionazo.
Así se pensaba hasta que en los últimos episodios conocimos los orígenes de Jacob y su hermano Némesis, quienes serían candidatos a portar la estafeta que les dejaría “Madre”, vigilante de la isla, quien amenazaba a Jacob en su reclutamiento que si la “fuente de luz” al centro de la isla caía en manos equivocadas, iba a ser el fin de todo.
¿Una caja de pandora? No.
¿Manzana del edén o el arca de la Alianza? Cerca, pero tampoco.
La respuesta es para mí, sin embargo, más simple; pero con potentes bases históricas y divinas.
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La isla de Lost es…. UN OMBLIGO.
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En las culturas antiguas el ombligo como concepto y punto cardinal juega un papel importante en lo vital, espiritual y energético.
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Citando a Gutierre Tibón en su obra “El Ombligo como centro cósmico: Una contribución a la historia de las religiones”, el ombligo en el universo trasciende a un elemento de poder, de conjunción, gloria y perdición.
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Es curioso que el centro de la isla sea un hoyo (ombligo) en donde converge la energía que amenaza desestabilizar al planeta, comenzando con la destrucción de la isla.
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Increíblemente la obra de Tibón coincide con puntos que soportan mi teoría en Lost:
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“En el principio era el ombligo. No, antes del principio, según el Rig Veda: el germen del mundo descansaba sobre el ombligo de lo increado.

El Midrash dice que Dios creó el mundo al igual que el ser nacido de mujer: desde el ombligo. El centro del mundo es el ombligo, por la comparación del microcosmo humano con el macrocosmo universal.

Antes de identificar la tierra con su ombligo, el hombre lo descubre en el cielo: la Estrella Polar es el ombligo del firmamento, guía nocturna de nuestros lejanos antepasados en las soledades de los continentes vacíos.

La creencia de que la tierra es el centro del universo perdura durante milenios; era dogma de la Iglesia todavía en 1835, tres siglos después de Galileo. Desde luego, centro y ombligo se equivalen; y en la cosmogonía de los antiguos, en ambos mundos, el centro-ombligo es el lugar sacratísimo de la creación, el único punto donde es posible la comunicación con la morada de los muertos y de los dioses: cielo e inframundo. (En Lost, era posible comunicarse con los muertos, a través de la isla “ombligo”)

El ombligo se vincula con un sinnúmero de conceptos mágicos, místicos y míticos; su estudio es parte importante de la historia de las religiones y, con eso, del pensamiento filosófico.

En el ámbito de los símbolos el ombligo es avasallador. El más conocido es el de la piedra, en Delfos, centro del mundo; he contado veintiséis más, desde Japón hasta la Isla de Pascua. Una piedra-ombligo figura en el escudo de México.

Abundan los montes: el Meru Nabhiam de la India es tan ombligo como el Tabor, el Sinaí de los hebreos y el Xico de los mexicanos. Regiones enteras consideradas ombligos de la tierra son Grecia, Israel y parte del Petén, en Centroamérica, que un misionero del siglo XVII llama “ombrigo del mundo”.

Ombligos simbolizados por agujeros, hondonadas o grutas se encuentran en Célebes, Nuevo México y Mesoamérica. Ombligos-islas son Sri Lanka o sea Ceilán, umbilicus orbis; la Ogigia de Homero, la islita del lago de Tezcoco donde se fundó el imperio azteca y la del Sol, en el lago Titicaca, donde se fundó el imperio inca; la Isla de Pascua, Te Pito te Henúa, “el ombligo del mundo”. Ombligos-lagos se encuentran en Italia: el Averno, el Lacus Cutiliae; y en México, los de Pátzcuaro y Cajititlán. Ombligos-plantas son los árboles de la vida en la India y los del mundo, no menos frondosos, en Siberia; el hongo divino de los Vedas; la Amanita muscaria conocida como Soma; la flor de loto budista; la ceiba de los mayas y el palo volador mesoamericano. Ombligos-oráculos, el de Delfos, el Carmelo, el de Amón en África y el de Achiutla en México.

La fuente de Jacob (Jacob, qué coincidencia!), en Israel, es llamada umbilicus terrae. Entre los ombligos-templos hay que recordar el de Jerusalén, el de Constantinopla, y el Tlalxicco en el teocalli mayor de México. Descuellan, entre los lugares volcánicos umbilicales, Enna en Sicilia, Thermos en Grecia; los ya mencionados Cutiliae y Averno en Italia y los propios pavorosos volcanes Gunang-Anang, de Bali y Xitle, de México, este último “ombligo” en náhuatl.

Muchas son las ciudades-ombligo. Milán, cuyo medio-, sinónimo de ombligo, comparte con cincuenta y cuatro Mediolanum más en el mundo céltico. Encuentro veinte ciudades-ombligo en Grecia y Asia Menor; más al oriente están Jerusalén, la Meca, Nínive, Babilonia, Delhi y Pequín. Vivo en el Ombligo de la Luna, México; y en este hemisferio son ciudades umbilicales Cuzco y Tiahuanaco, capitales de otros imperios americanos.

Desde el ombligo se proyecta e irradia su manifestación en las cuatro direcciones del universo; él mismo es la quinta, vertical. Corresponde a la cifra uno en el quincunce cristiano y al cinco en el mesoamericano. Entre los aztecas el cielo más alto, el treceno, donde mora el dios creador, es el tlalxicco, “ombligo del mundo”.

Para hindúes y budistas, hebreos y griegos, el ombligo es el principio de todo: ya que por él comienza a enraizar el embrión; en tanto que los polinesios lo consideran el fin. Según ellos el ser humano termina su gestación, nace, se separa de su madre, y el ombligo es la marca de su perfecto acabamiento.

(Lost tiene esta singular simetría de inicio y fin -renacimiento y muerte de Jack-, en torno de este ombligo, que es la isla)

El ombligo es círculo y rectángulo, infierno y paraíso, corazón del cielo, lugar de sacrificio, emblema de virtud y de vicio, cáliz de licor y polen de rosa (esta última misteriosa acepción se debe a Aristóteles). (El cáliz es simbólico para el guardián de la isla al pasar su poder a su reemplazo)

El ombligo es el asiento del alma, el punto de mayor espiritualidad en la anatomía humana; el lugar de elección para encontrar la armonía cósmica; el tercer ojo que contemplan los hesicastas, quienes anhelan ver la luz increada del Tabor. (Aquí tenemos la referencia de la Luz)

Del ombligo emana el fuego divino. Es el centro de la respiración y de la rosa de los vientos. Es símbolo del útero y, contradictoriamente, del falo; se identifica con la Luna, principio mujeril, y con el Sol, masculino por excelencia. Es andrógino y, sin embargo, connaturalmente femenino. Sol, Luna; pero también estrella: la Polar, eje del universo.

Precisamente para colocarse en el eje cósmico, donde es posible la comunicación con el mundo de los dioses (cielos e infiernos), tantos adoratorios y santuarios, de pueblos y ciudades, han surgido en los centros umbilicales: sin que la autenticidad de uno menoscabe la de los demás. Aquí pisamos un terreno más firme; entramos en el dominio de la geografía, ciencia exacta.

Y para quedarnos, aunque sea de paso, en este campo, estrictamente cartesiano, recordamos lo que es el ombligo visto por un fisiólogo moderno. Es el minúsculo chirlo que se forma después de la caída del cordón; su aspecto se debe al proceso de cicatrización y a la retracción de la llaga umbilical. En general es un hoyuelo cupuliforme cercado por un rodete cutáneo, en cuyo fondo se asoma una eminencia, el onfalio o pezón. Éste presenta en el ápice la cicatriz, separada del rodete por un surco circular.

Desde épocas inmemoriales el ombligo, por su emplazamiento en el cuerpo humano, se ha vuelto símbolo del centro: de cualquier centro, terrestre, celeste o imaginario, en su proyección cosmogónica.

Este simbolismo ha sido el punto de partida, hace muchos años ya, del presente libro. Al comprobar que México significa “en el ombligo de la Luna”.

Como conclusión: podría asegurar que la isla de Lost no es más que uno más de los ombligos existentes en la tierra, uno muy poderoso, el cual toca sensiblemente el centro electromagnético del planeta. Por eso se necesitaba un guardián asignado desde tiempos inmemoriales…

Un final que nos dejó satisfechos y contentos. Gracias.

Con un George Romero que funge mejor actualmente como productor que como director, The Crazies (Llamada ridículamente en México “El Día del Apocalipsis”) pone en la mira un pequeño poblado agrícola en donde poco a poco sus habitantes se convierten en enfermos infecciosos de locura y saña asesina que los hace desconocer hasta a sus propios familiares y comienza la masacre.

Por un lado vemos a los seudozombies amenazando a los protagonistas, por otro lado a la milicia que sin miramientos “controla” la población infectada, sin embargo éstos no podríamos llamarlos “los buenos”.

Con escenas y locaciones que nos recordaron a Resident Evil, (los primeros videojuegos, no los truños de acción de Paul WS Anderson), nos transmiten la desolación y el pavor de esperarse un ataque desde la oscuridad. Los personajes juegan un rol importante en ese juego de xenofobia y paranoia haciendo más entretenida esta peli que se mantiene de pie frente a un tema ya desgastado del cine de horror, ésto a pesar de que “The crazies” es un remake de Romero de 1973.

Valoración: 4 de 5

DIRECTOR: Breck Eisner
GUIÓN: Scott Kosar, Ray Wright (Personajes: George A. Romero)
MÚSICA: Mark Isham
FOTOGRAFÍA: Maxime Alexandre
REPARTO: Radha Mitchell, Danielle Panabaker, Timothy Olyphant, Joe Anderson, Preston Bailey

Impresionante trabajo el de Rick Baker, artista de maquillaje, quien trajo a la vida un licántropo que retoma el sentido de los monstruos clásicos del cine, no se queda atrás el desempeño de Benicio del Toro por desarrollar a un actor de teatro, que atormentado por su pasado lucha por controlar a la bestia y sus sentimientos. Hasta ahí.

Desgraciadamente la película dirigida por Joe Johnston, es un remake del clásico de 1941 de Curt Siodmak que funge temeroso a algo más grande e inolvidable. Una historia que sufre altibajos de interés, que comienza bien, pero que va mutando en un monstruo confundido y tosco, con un final sacado de manga, altamente clichado. El abuso de la animación digital tira por la borda el excelente trabajo de maquillaje y gore, se vuelve todo más vulgar visualmente hablando. El nuevo hombre lobo es solo entretenido, pero no entrañable.

Valoración: 6 de 10

Una fábula de los tiempos modernos donde la que la moraleja es un tanto compleja  en fondo como simple de forma. Como si fueran los sueños surrealistas de un taxidermista, animalejos animados recrean el libro de Roald Dahl, El fantástico señor Zorro.

Vale la pena ver semejante pieza con el idioma original en inglés, pues las voces de George Clooney, Merryl Streep y Michel Gambon imprimen matices muy personales y a pesar de lo serio que puedan sonar, el producto tiene un humor único, renegrido…

¿Cómo puede limitarse un alma tan grande, libre y salvaje como el Sr. Fox? Acostumbrado a ser un tremendo ladrón de granja, es limitado a ser un poco más “normal” al enterarse que sería padre. Escribe una columna de un periódico de una rara sociedad de animales civilizados; él quiere dar el gran golpe.

Sin embargo, esa comezón se volverá un problema para toda la comunidad animal, pues Fox le declara la guerra a tres mezquinos granjeros que dominan el comercio local robando sus productos en compañía de una hilarante zarigüeya que sufre de lapsus brutus de vez en vez.

The fantastic Mr. Fox es una delicia que sorprende y se disfruta, las ocurrencias de todos sus personajes, combinados con una excelente e ingeniosa animación cuadro a cuadro hará grata una tarde de cine. Una fábula que habla de un padre, sus aspiraciones y el hijo de éste.

Valoración: 9 de 10

(The fourth kind – 2009) Siguiendo la línea que dejó hace mucho tiempo “Fire in the Sky” (1993-Robert Lieberman), “The fourth kind” abora el tema de la abducción extraterrestre con el pretexto de mostrarnos una historia supuestamente verídica, con la diferencia de que se intercala dramatizaciones de actores con videos de entrevistas y evidencias grabadas del escabroso tema de los hombrecitos espaciales.
Nos narran la experiencia de la doctora especialista en desordenes de sueño Abigail Tyler, quien descubre una macabra constante entre sus pacientes, todos ven una “lechuza” en su sueño y no logran recordar nada más; sólo inducidos a la hipnosis es cuando se descubre que la parte de la población de Nome (Alaska) es forzada a olvidar experiencias más allá del entendimiento humano.

La cinta mantiene un ritmo interesante gracias a las “evidencias” en video y audio que se alternan en la edición final con las dramatizaciones de los actores; con alma de documental y película de suspenso “El cuarto tipo” mantiene entretenido al espectador el cual podría calificar según su nivel de interés en los temas paranormales.

En cuanto al material presentado, sospechosamente parece que los videos evidencia son trucados para crear mayor impacto visual, a pesar de que el director/periodista Olatunde Osunsami pregona que son reales. Una sencilla pero novedosa cinta para pasar el rato y almacenar otro caso más en nuestros expedientes secretos de fenómenos OVNI en el cine.

Valoración: 6 de 10

Un decrépito Viggo Mortensen encarna el amor, la dedicación y el sacrificio de un padre en tiempos post apocalípticos; un evento mundial arrasa con casi toda la población humana, y no sólo eso: bosques, animales, cosechas, todo vestigio de vida es un recuerdo en un frío lugar lleno de cenizas y ruinas.

Basado en un éxito literario de Cornac McCarthy (2006), mismo que gana el Pulitzer a la ficción en 2007, The Road es un filme desolado y negro que con tintes de amor puro ofrece contrastes que lo vuelven inolvidable, imprescindible.

Durante la batalla diaria de la supervivencia, un singular par de nómadas, padre e hijo, recorren caminos insospechados llenos de violencia, de desolación, de recuerdos de un mundo lejano, de terror total.

Es en esa parte del miedo donde entran esos personajes menguantes, que alguna vez fueron personas, los caníbales, quienes deciden sobrevivir bajo la ley del mazo, atacando por hordas como decadentes lobos muestran una de las peores facetas del ser humano; matan y devoran a quienes osen cruzar su camino.

Durante esos tiempos involutivos solo puede verse, si es que se corre con la buena o mala suerte con gente vieja, podrida, hambrienta. Los niños no existen, de ser así sólo se pueden ver de dos maneras: como criaturas celestiales que representan la nueva generación humana y la misma inocencia; o solamente un delicioso manjar. Por eso, el padre (Mortensen) debe ser doblemente cuidadoso con su hijo, al cual instruye y protege a cada paso, siendo éste el único pilar de seguir vivo en un lugar donde el suicidio es la acción más prudente. El chiquillo interpretado por Kodi Smith Mc-phee (Próximo a protagonizar el remake americano de la excelente “Let the right one in”) convence; se antoja emotivo y vulnerable, hace una química natural con Viggo.

“The road” es una magnífica cinta que trata sobre el legado que deja un padre a un hijo, sin importar que lo hace en un mundo donde no parece haber esperanza alguna. Valdría la pena echarle un ojo a la novela original, del mismo autor de “No country for old men”.

Valoración: 10 de 10

Siguiendo casi con respetuoso apego la obra original de Oscar Wilde, el “Dorian Gray” de Oliver Parker nos sitúa correctamente en la Inglaterra de principios de siglo XX. Dorian, un joven heredero se ha hecho popular en un selecto círculo de la sociedad, admirado por su flamante belleza. Es así como conoce a Basil Hallward, un pintor que se obsesiona por pintar a Dorian; durante su recreación pictográfica conoce a Lord Henry Wotton, quien corrompe la ingenuidad del protagonista y lo empuja sin querer a hacer un “trato” maldito con el destino.
El filme de Parker se enfoca en el personaje de Dorian Gray como monstruo de acciones y juicios, siendo éstos más horrendos que el retrato en sí. El brutal hedonismo interpretado por Ben Barnes le da el peso definitivo a una obra que en producción es mediana, pero que en esencia aterriza bien el concepto creado por Wilde. Algunas situciones y personajes fueron cambiados, mas no así la corrompida alma de Dorian Gray.

Valoración 7 de 10

Spike Jonze es uno de los directores contemporáneos más raros y exitosos (justo con esos dos conceptos juntos) del mundo, y sin más, decidió adaptar al cine uno de los cuentos más raros y queridos de la literatura, el resultado es sublime.
Maurice Sendak publicó en 1963 un libro que él mismo ilustró, con poco texto y mucha imaginación la historia de Max, un niño malcriado que es envíado a su habitación sin cenar. En ese momento aparece una selva imaginaria y un mar imaginario; en una pequeña barca imaginaria llega a una isla habitada por monstruos, ellos coronan a Max como su rey…
Sin embargo, Spike, apegadísimo al transcurrir del cuento impreso, enriquece la obra con matices de sentimientos, de defectos y virtudes. Los monstruos de Jonze son idénticos a los ilustrados por Sendak sólo que con un valor agregado inmenso: tienen nombre, tienen personalidad definida, tienen un lazo que sólo un padre puede reconocer en sus propios hijos con “monstruos particulares”.
La película es una delicia para pequeños, con violencia gratuita pero justificada, misma que vemos en el berrinche de un crío o la que atestiguamos en sus efusivos juegos. Los adultos se sentirán en la infancia.
De antología resulta el diseño de producción, para agradecer, que no abusa de las tecnologías digitales en boga, dándonos monstruos reales que juegan y gruñen al compás de un soundtrack riquísimo de improvisación artística a cargo de Karen O (vocalista de los yeah Yeahs, se presenta como “Karen O and the kids”).
Donde viven los monstruos es muy especial: nostálgica, maternal-paternal y traviesa, una joya al igual que el cuento de Maurice Sendak: llega al corazón.
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Valoración 10 de 10
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Te veo…
Una locura tremenda cambia tu destino, James Cameron lo hizo; cocinó por años un nuevo clásico del cine mundial y una experiencia totalmente única en entretenimiento. Avatar valió la pena para esperar, posicionando a James Cameron como un director inteligente, arriesgado, un parteaguas.
Una historia que nos pudiera parecer conocida y comparable con Danza con lobos, El último Samurai o Pocahontas adquiere un nuevo valor con Avatar, película que suma sensaciones casi plenas a los sentidos que se antojan orgánicos, vivos, respirantes. La vegetación está llena de texturas y transparencias que solo podrían compararse con las que conocemos, los animales salvajes convencen de ser reales en todo momento, son dignos de apreciarse detenidamente como lo haría un dedicado zoologo, la emoción de ser un Na-vi se transmite directamente a través de nuestros ojos, somos partícipes del proyecto Avatar.
Maximizado todo esto con ayuda de los lentes 3D, nos trae cine puro de nueva generación (espectacular) de una historia simple, un tanto previsible, pero que no deja de ser universal y latente: el respeto a todo lo que nos resulte ajeno, al curso natural de un planeta (Tierra o Pandora, objetivamente son lo mismo), incluso a miles de años luz de la tierra. Ganas me sobran de nuevo a meterme en la piel azul del Avatar y visitar Pandora una vez más…

Valoración 9.5 de 10