Impresionante trabajo el de Rick Baker, artista de maquillaje, quien trajo a la vida un licántropo que retoma el sentido de los monstruos clásicos del cine, no se queda atrás el desempeño de Benicio del Toro por desarrollar a un actor de teatro, que atormentado por su pasado lucha por controlar a la bestia y sus sentimientos. Hasta ahí.

Desgraciadamente la película dirigida por Joe Johnston, es un remake del clásico de 1941 de Curt Siodmak que funge temeroso a algo más grande e inolvidable. Una historia que sufre altibajos de interés, que comienza bien, pero que va mutando en un monstruo confundido y tosco, con un final sacado de manga, altamente clichado. El abuso de la animación digital tira por la borda el excelente trabajo de maquillaje y gore, se vuelve todo más vulgar visualmente hablando. El nuevo hombre lobo es solo entretenido, pero no entrañable.

Valoración: 6 de 10

Una fábula de los tiempos modernos donde la que la moraleja es un tanto compleja  en fondo como simple de forma. Como si fueran los sueños surrealistas de un taxidermista, animalejos animados recrean el libro de Roald Dahl, El fantástico señor Zorro.

Vale la pena ver semejante pieza con el idioma original en inglés, pues las voces de George Clooney, Merryl Streep y Michel Gambon imprimen matices muy personales y a pesar de lo serio que puedan sonar, el producto tiene un humor único, renegrido…

¿Cómo puede limitarse un alma tan grande, libre y salvaje como el Sr. Fox? Acostumbrado a ser un tremendo ladrón de granja, es limitado a ser un poco más “normal” al enterarse que sería padre. Escribe una columna de un periódico de una rara sociedad de animales civilizados; él quiere dar el gran golpe.

Sin embargo, esa comezón se volverá un problema para toda la comunidad animal, pues Fox le declara la guerra a tres mezquinos granjeros que dominan el comercio local robando sus productos en compañía de una hilarante zarigüeya que sufre de lapsus brutus de vez en vez.

The fantastic Mr. Fox es una delicia que sorprende y se disfruta, las ocurrencias de todos sus personajes, combinados con una excelente e ingeniosa animación cuadro a cuadro hará grata una tarde de cine. Una fábula que habla de un padre, sus aspiraciones y el hijo de éste.

Valoración: 9 de 10

(The fourth kind – 2009) Siguiendo la línea que dejó hace mucho tiempo “Fire in the Sky” (1993-Robert Lieberman), “The fourth kind” abora el tema de la abducción extraterrestre con el pretexto de mostrarnos una historia supuestamente verídica, con la diferencia de que se intercala dramatizaciones de actores con videos de entrevistas y evidencias grabadas del escabroso tema de los hombrecitos espaciales.
Nos narran la experiencia de la doctora especialista en desordenes de sueño Abigail Tyler, quien descubre una macabra constante entre sus pacientes, todos ven una “lechuza” en su sueño y no logran recordar nada más; sólo inducidos a la hipnosis es cuando se descubre que la parte de la población de Nome (Alaska) es forzada a olvidar experiencias más allá del entendimiento humano.

La cinta mantiene un ritmo interesante gracias a las “evidencias” en video y audio que se alternan en la edición final con las dramatizaciones de los actores; con alma de documental y película de suspenso “El cuarto tipo” mantiene entretenido al espectador el cual podría calificar según su nivel de interés en los temas paranormales.

En cuanto al material presentado, sospechosamente parece que los videos evidencia son trucados para crear mayor impacto visual, a pesar de que el director/periodista Olatunde Osunsami pregona que son reales. Una sencilla pero novedosa cinta para pasar el rato y almacenar otro caso más en nuestros expedientes secretos de fenómenos OVNI en el cine.

Valoración: 6 de 10

Un decrépito Viggo Mortensen encarna el amor, la dedicación y el sacrificio de un padre en tiempos post apocalípticos; un evento mundial arrasa con casi toda la población humana, y no sólo eso: bosques, animales, cosechas, todo vestigio de vida es un recuerdo en un frío lugar lleno de cenizas y ruinas.

Basado en un éxito literario de Cornac McCarthy (2006), mismo que gana el Pulitzer a la ficción en 2007, The Road es un filme desolado y negro que con tintes de amor puro ofrece contrastes que lo vuelven inolvidable, imprescindible.

Durante la batalla diaria de la supervivencia, un singular par de nómadas, padre e hijo, recorren caminos insospechados llenos de violencia, de desolación, de recuerdos de un mundo lejano, de terror total.

Es en esa parte del miedo donde entran esos personajes menguantes, que alguna vez fueron personas, los caníbales, quienes deciden sobrevivir bajo la ley del mazo, atacando por hordas como decadentes lobos muestran una de las peores facetas del ser humano; matan y devoran a quienes osen cruzar su camino.

Durante esos tiempos involutivos solo puede verse, si es que se corre con la buena o mala suerte con gente vieja, podrida, hambrienta. Los niños no existen, de ser así sólo se pueden ver de dos maneras: como criaturas celestiales que representan la nueva generación humana y la misma inocencia; o solamente un delicioso manjar. Por eso, el padre (Mortensen) debe ser doblemente cuidadoso con su hijo, al cual instruye y protege a cada paso, siendo éste el único pilar de seguir vivo en un lugar donde el suicidio es la acción más prudente. El chiquillo interpretado por Kodi Smith Mc-phee (Próximo a protagonizar el remake americano de la excelente “Let the right one in”) convence; se antoja emotivo y vulnerable, hace una química natural con Viggo.

“The road” es una magnífica cinta que trata sobre el legado que deja un padre a un hijo, sin importar que lo hace en un mundo donde no parece haber esperanza alguna. Valdría la pena echarle un ojo a la novela original, del mismo autor de “No country for old men”.

Valoración: 10 de 10

Siguiendo casi con respetuoso apego la obra original de Oscar Wilde, el “Dorian Gray” de Oliver Parker nos sitúa correctamente en la Inglaterra de principios de siglo XX. Dorian, un joven heredero se ha hecho popular en un selecto círculo de la sociedad, admirado por su flamante belleza. Es así como conoce a Basil Hallward, un pintor que se obsesiona por pintar a Dorian; durante su recreación pictográfica conoce a Lord Henry Wotton, quien corrompe la ingenuidad del protagonista y lo empuja sin querer a hacer un “trato” maldito con el destino.
El filme de Parker se enfoca en el personaje de Dorian Gray como monstruo de acciones y juicios, siendo éstos más horrendos que el retrato en sí. El brutal hedonismo interpretado por Ben Barnes le da el peso definitivo a una obra que en producción es mediana, pero que en esencia aterriza bien el concepto creado por Wilde. Algunas situciones y personajes fueron cambiados, mas no así la corrompida alma de Dorian Gray.

Valoración 7 de 10

Spike Jonze es uno de los directores contemporáneos más raros y exitosos (justo con esos dos conceptos juntos) del mundo, y sin más, decidió adaptar al cine uno de los cuentos más raros y queridos de la literatura, el resultado es sublime.
Maurice Sendak publicó en 1963 un libro que él mismo ilustró, con poco texto y mucha imaginación la historia de Max, un niño malcriado que es envíado a su habitación sin cenar. En ese momento aparece una selva imaginaria y un mar imaginario; en una pequeña barca imaginaria llega a una isla habitada por monstruos, ellos coronan a Max como su rey…
Sin embargo, Spike, apegadísimo al transcurrir del cuento impreso, enriquece la obra con matices de sentimientos, de defectos y virtudes. Los monstruos de Jonze son idénticos a los ilustrados por Sendak sólo que con un valor agregado inmenso: tienen nombre, tienen personalidad definida, tienen un lazo que sólo un padre puede reconocer en sus propios hijos con “monstruos particulares”.
La película es una delicia para pequeños, con violencia gratuita pero justificada, misma que vemos en el berrinche de un crío o la que atestiguamos en sus efusivos juegos. Los adultos se sentirán en la infancia.
De antología resulta el diseño de producción, para agradecer, que no abusa de las tecnologías digitales en boga, dándonos monstruos reales que juegan y gruñen al compás de un soundtrack riquísimo de improvisación artística a cargo de Karen O (vocalista de los yeah Yeahs, se presenta como “Karen O and the kids”).
Donde viven los monstruos es muy especial: nostálgica, maternal-paternal y traviesa, una joya al igual que el cuento de Maurice Sendak: llega al corazón.
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Valoración 10 de 10
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Te veo…
Una locura tremenda cambia tu destino, James Cameron lo hizo; cocinó por años un nuevo clásico del cine mundial y una experiencia totalmente única en entretenimiento. Avatar valió la pena para esperar, posicionando a James Cameron como un director inteligente, arriesgado, un parteaguas.
Una historia que nos pudiera parecer conocida y comparable con Danza con lobos, El último Samurai o Pocahontas adquiere un nuevo valor con Avatar, película que suma sensaciones casi plenas a los sentidos que se antojan orgánicos, vivos, respirantes. La vegetación está llena de texturas y transparencias que solo podrían compararse con las que conocemos, los animales salvajes convencen de ser reales en todo momento, son dignos de apreciarse detenidamente como lo haría un dedicado zoologo, la emoción de ser un Na-vi se transmite directamente a través de nuestros ojos, somos partícipes del proyecto Avatar.
Maximizado todo esto con ayuda de los lentes 3D, nos trae cine puro de nueva generación (espectacular) de una historia simple, un tanto previsible, pero que no deja de ser universal y latente: el respeto a todo lo que nos resulte ajeno, al curso natural de un planeta (Tierra o Pandora, objetivamente son lo mismo), incluso a miles de años luz de la tierra. Ganas me sobran de nuevo a meterme en la piel azul del Avatar y visitar Pandora una vez más…

Valoración 9.5 de 10

Ser padre, es un hecho, no es nada fácil, menos cuando las circunstancias rebasan tu capacidad de actuar, de manejar tu vida. Williams aquí interpreta a un profesor de secundaria apacible, amable y monótono que es abusado por un hijo adolescente egoísta (Daryl Sabara), pervertido, sucio, mezquino, un completo pastelito de porquería. La frustración del primero por su tibia personalidad y logros inalcanzados como escritor contrastan con el segundo en su afán nihilista de explorar experiencias sexualidades mal dirigidas que rayan en las parafilias mas enfermas. Un vuelco tremendo en la historia pone al profesor Lance Clayton en una oportunidad de sobresalir dentro de la comunidad escolar a partir de una mentira piadosa. El éxito en su clase de poesía, el aprecio de sus compañeros, el amor asegurado de su joven novia, la admiración del mundo tiene un precio que Lance debe pagar…

Renegrida tragicomedia resulta este filme de Bobcat Goldthwait, en donde vemos un Robin Williams alejado de las payasadas o los mocodramas que tiene que producir para Hollywood, se torna cínico, brillante a la vez, sin amagar al resto del reparto, quienes dan un notable colorido dentro del panorama gris creado intencionalmente por el director. World’s Greatest Dad es un Inteligente y mal intencionado análisis de las relaciones Padre-Hijo, a la muerte misma y a la presión de los tiempos modernos.

Valoración: 9 de 10

Tremendas escenas iniciales donde en cámara súper rápida (lentas al ojo humano), los no muertos aterrorizaban la población “sana”, sangre, vómito y malteadas volando por los aires mientras el fuego consumía lentamente autos… Cada cuadro era como tener un buen cromo para colgar en la oficina. Sólo eso impresiona, parecía que todo iba a estar bien. No fue así.

La que prometía ser una gran comedia con zombies por tema se cae por falta de astucia, de buen manejo de ritmo y sospechosa ausencia de muertos-vivos en un mundo en el que el 99.99 de la población son zombies. Ni la curiosa participación (casi cameo) de Bill Murray (quien actúa con enfado) puede salvar a este vergonzoso cadáver, menos la presencia de Abigail Breslin, ya de niña-púber, causa la gracia que le vimos en “Litle Miss SunShine”.

Ni miedo, ni risa
Todos los cartuchos fueron gastados en los previos vistos en trailers y otros materiales multimedia de promoción. Quedó poco material que se pudiera disfrutar: una que otra escena de persecución y el esfuerzo de Woody Harrelson por lograr un personaje cabrón por obligación mantienen el interés de seguir viendo ésta fallida comedia que no ofrece mucho comparándola con la irreverente “Shaun of the dead”. Con un film predecible hasta el túetano y un final chungo Ruben Fleischer, dirige con novatez un producto que resulta entretenido a secas.

Valoración 5 de 10

TITULO ORIGINAL: Zombieland
TITULO HISPANO: Tierra de Zombies
GENERO: Terror/Comedia
PAIS: Estados Unidos
DURACION: 80 Minutos
AÑO: 2009
ESTRENO EN CINE: 25-12-2009
DIRECTOR: Ruben Fleischer
GUION: Paul Wernick y Rhett Reese
INTERPRETES: Abigail Breslin, Emma Stone, Jesse Eisenberg y Woody Harrelson
PRODUCTOR: Gavin Polone
FOTOGRAFÍA: Michael Bonvillain
MONTAJE: Peter Amundson

Mary es una niña de Australia que no tiene ningún apoyo moral familiar, su padre es trabajador pero alejado a su familia, disecciona aves como pasatiempo. La madre de Mary es digámosle muy sofisticada, aficionada a beber jerez a todas horas y a cometer robo hormiga de productos del supermercado.
Max, en el otro lado del charco, es un ex-judío newyorkino solitario, compulsivo-depresivo, acude a un grupo de autoayuda que no le sirve de mucho; sufre de severas crisis si es expuesto a simples dilemas.

¿Qué pasa si dos almas gemelas se conocen espontáneamente, pese a la enorme brecha generacional y las distancias? Probablemente cosas buenas.

Esa es la premisa de esta obra de arte de la animación que nos ubica a finales de la década de los 70 y con la vieja práctica de “amigos por correspondencia” (Pen pals) como pretexto. Con una estética bien definida para los entornos de los protagonistas: blanco y negro para Max, sepia para Mary ponen un dejo de melancolía y extraña belleza visual incomparable; con una especial atención a los detalles de la vida cotidiana, lluvia, lodo, cochambre, papeles, frascos… todo tiene un valor histriónico.

Emotiva resulta esta película que ya ha sido aclamada este año en festivales como los de Sundance, Tokio, Berlín y Sitges. Y cómo no va a ser así si el virtuoso director Adam Elliot (Ganador del Oscar en 2003 por “Harvie Krumpet”, otro stop motion de 22 minutos) nos entrega una película sencilla y compleja a la vez, tal como es el la mente humana y la amistad misma.

Lo que es realmente inquietante es el hecho de que se menciona que está basada en un hecho real. Y notable uno de los momentos clímax de la película enmarcado por un macabro “Whatever will be will be” a cargo de Pink Martini.

Aderezada con las voces de Philip Seymour, Toni Collette, Eric Bana, Renée Geyer y muchos otros, Mary y Max cuenta con una exquisita narrativa que matiza cada uno de los momentos de la cinta, fortaleciéndola como una obra de arte de principio a fin. Excelsa.

Valoración 10 de 10

Historia y dirección: Adam Elliot
Reparto:
Toni Collette – Mary Daisy Dinkle
Philip Seymour Hoffman – Max Jerry Horovitz
Eric Bana – Damien
Barry Humphries – Narrator
Bethany Whitmore – Young Mary
Renée Geyer – Vera

Rec 2 comienza donde se termina la primera parte de esta cinta de dos directores españoles que sorprendieron al mundo con una propuesta fresca en el subgénero de muertos vivientes; quisieron repetir la formula dando un giro de 180º a la historia, tomando un riesgo muy alto que pondría su película como un nuevo curso en el género de horror o como una insufrible segunda parte, de esas que abundan en el cine mundial.
Sucedió lo que tenía que suceder, al igual que The Blair Witch Project, Rec 2 sucumbió aún con un mejor presupuesto, pese a la fama espontánea y no dio el ancho para complacer a los espectadores que se mantuvieron pendientes.

Un grupo de élite es introducido en un edificio de departamentos sellado por alerta de contaminación biológica, ellos deben seguir las órdenes de un extraño hombre el Doctor Owen, quien busca desesperadamente algo más que sobrevivientes.

Actuaciones menos (sí, menos) convincentes, un cambio de historia que desmorona el trabajo logrado, tremendos agujeros argumentales dejan caer en seco la continuidad que curiosamente sí existe (escenarios, estilo fílmico, personajes). Volvemos a ver a la comunidad del condominio toda convertida en zombies, los cuales no son tan implacables, esto debido a que permanecen ausentes así nomás, de repente. Podríamos considerar a favor de Rec 2 la utilización de tres cámaras principales, relevadas una tras otra, la caracterización de los “monstruos” y las escenas de persecución y pelea, sólo eso.

No revelo la “trama” principal de esta nueva cinta, sólo por los que tengan curiosidad de verla, pero sí puedo sugerir que vayan con las expectativas más bajas, para que ésta alcance al menos para entretenerlos y disfrutar de los sustos que de vez en cuando se suscitan en la proyección.

Balagueró y Plaza se tomaron un riesgo enorme, es hora de levantar los muertos.
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Valoración: 5 de 10
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Reparto:
Manuela Velasco – Ángela Vidal
Ferran Terraza – Manu
Javier Botet – Niña Medeiros
Pablo Rosso – Rosso
Claudia Font – Jennifer
Andrea Ros – Mire
David Vert – Álex
Ariel Casas – Larra
Martha Carbonell – Sra. Izquierdo
Ana Isabel Velásquez – Chica colombiana
Nico Baixas – Niña Medeiros
Juli Fàbregas – Bombero
Pep Molina – Padre de Jennifer
Alejandro Casaseca – Martos
Pau Poch – Tito
Óscar Zafra – Jefe
Jonathan Mellor – Dr. Owen
Carlos Olalla – Ministro de Sanidad
Àlex Batllori – Uri
Raul Moya Juarez – Peaton

El salto de un programa de televisión a la pantalla de cine es muy desastroso en ocasiones, y más si es un “noticiario” que se divide por segmentos, pero es gracias al carisma de sus personajes y la genialidad de sus creadores que 31 minutos, la película, sale triunfante en su primer incursión al cine.

Juanín Juan Harry es despedido del canal de televisión después de una terrible confusión provocada por el traficante de animales exóticos Tío Pelado, esto para convencerlo de trabajar con él. Con engaños Juanín es llevado a la isla de Cachirula, una excéntrica y cruel millonaria que colecciona los más raros especimenes, siendo Juanín quien corone su colección en su zoo particular. Tulio debe dejar su egoísmo característico a un lado y embarcarse en la búsqueda de su peludo amigo junto al staff del noticiario de muñecos.

Las personas que sean fans del seriado televisivo verán el humor al que están acostumbrados; para quienes 31 minutos sea algo completamente nuevo, disfrutarán del extraño sentido cómico que tienen estos peluches y muñecos chilenos. Nadie podrá sentirse defraudado.

Después de haber sido estrenado en terruños chilenos hace más de un año, llega a las salas mexicanas la cinta basada en este producto para la televisión infantil, el cual fue todo un éxito en sus tres temporadas en todo Latinoamérica. Con narrativa y clichés muy cinematográficos los “monos” de 31 minutos provocan carcajadas con sus ocurrencias sin perder su universalidad, enmarcados con coloridos escenarios, también adornados con nuevos personajes los creadores del concepto entregan entretenimiento puro con la misma calidad de su proyecto de televisión, el cual había sido suspendido para dedicarle todo el tiempo y recursos al filme. Lo único que hizo falta fue la adición de alguna absurda y pegajosa canción, una de esas que podríamos corear con relajo.

Valoración: 8 de 10

Director:
Alvaro Díaz, Pedro Peirano.
Actores:
VOCES: Daniel Castro, Catalina Saavedra, Patricio Díaz.
Guión:
Daniel Castro, Alvaro Díaz, Pedro Peirano, Rodrigo Salinas.

Fotografía:
Miguel Joan Littin M.
Género:
Comedia/Aventura
Edición:
Galut Alarcón, Felipe Lacerda.

Duración:
87 min.